Juan Samaja
Como todos los años, una vez concluido el BARS, Cinefreaks te acerca las reflexiones de nuestro cronista Juan Samaja y su experiencia en la cobertura de este evento que ya es un clásico dentro de los festivales porteños.
El festival
Los primeros días de Noviembre finalizó la XVII jornada del festival de cine Buenos Aires Rojo Sangre (BARS). Su nutrida programación incluyó invitados internacionales; reposiciones de películas nacionales y extranjeras de los años 60, 70 y 80; y la selección habitual de películas de diversas latitudes, vinculadas a ese campo temático que sobrevuela cada una de las producciones.
Vale la pena comenzar por justipreciar una de las mejores cualidades que presenta el Festival en el contexto de los circuitos tradicionales de exhibición cinematográfica, incluyendo eventos tradicionales y prestigiosos como BAFICI, esto es: una genuina diversidad en la conformación del programa de exhibiciones. En su grilla, es posible encontrar productos concebidos para un entretenimiento llano y sin pretensiones; para la experimentación formal (narrativa o estética); de producción independiente y bajo presupuesto; de producciones provenientes de estructuras más consolidadas; productos de estudiantes avanzados; de directores más consolidados, producciones cuasi caseras, producciones más profesionales, cortometrajes y largometrajes, películas europeas, asiáticas, norteamericanas y latinoamericanas; películas de ficción y documentales
El festival pretende reunir todas producciones de ficción alrededor de tres vertientes genéricas: el cine de terror, la ciencia ficción y la comedia. Sin embargo, es frecuente que algunas producciones no se amolden fácilmente a estos campos, y así encontramos integrando la programación policiales negros o thriller psicológico, hasta cine condicionado.
Las comedias bizarras
De los tres campos que hemos mencionado, el de la comedia presenta una
cualidad singular sobre la cual quisiera explayarme un poco más en este escrito: me refiero al adjetivo de bizarro con que pretende caracterizarse el sustantivo genérico. En general estas producciones presentan las siguientes características: bajo presupuesto en la producción, participación de actores no profesionales, escenas gore, contenido sexual (verbal o visual) más o menos explícito, elementos de caricaturización y parodia.
Una de las características más notables es la estética casera que tienen dichas producciones, la cual no se desprende -según mi opinión- únicamente de los escasos recursos materiales con que se cuenta (elemento que no debe desestimarse, pero que no explica de modo suficiente el fenómeno), sino que debe también considerar las particulares condiciones de recepción en las que se inscriben dichos enunciados: la identificación entre instancia de producción y de reconocimiento, que hacen del fenómeno comunicativo una práctica profundamente endogámica.
He tenido ya ocasión de analizar una dimensión interesante de este fenómeno a partir del film Goretech: bienvenidos al planeta hijo de puta (Magariños; 2012), a saber: el incrustamiento del público como elemento performático -involuntario- en el momento de exhibición. De hecho, una característica sintomática de estas exhibiciones es la presencia en las exhibiciones de todos los actores que han participado en cada una de las películas; espectadores que suelen hacer comentarios durante la proyección, reaccionar frente a situaciones grotescas burlańdose uno de otro, etc.
Estas comedias caseras son a la comedia mainstream lo que el porno amateur es a la industria del cine para adultos, desde la irrupción sistemática de la internet en las prácticas sociales contemporáneas. Sin embargo, y aunque ambas prácticas son resultado de un síntoma social común (crisis de las instituciones centralizadas y refortalecimiento de prácticas periféricas), encontramos una diferencia importante entre estos dos fenómenos “caseros”, que vale la pena analizar: mientras que el porno amateur evidentemente puede excitar a un extraño, esta comedia casera pareciera divertir únicamente a los involucrados en la producción.
(…) La comicidad de las películas depende fundamentalmente de ese núcleo de complicidad con el público, de los chistes internos y de las burlas a los participantes (protagonistas y/o secundarios). De hecho, resultan más interesantes las condiciones de exhibición del producto que el producto en sí mismo.
Pienso que una primera parte de explicación a la diferencia entre la pornografía casera y la comedia casera estaría vinculada, por un lado, a la fascinación que supone el voyeurismo sobre una situación íntima como es el acto sexual, pero también al hecho de que el acto sexual de dos extraños nos coloca delante de una situación ajena y al mismo tiempo familiar (la unión de los cuerpos); frente al acto sexual en un video casero no nos sentimos “excluidos”, ya que toda la información pertinente para disfrutar del espectáculo están brindadas.
Por el contrario, en el caso de la comedia casera, pareciera que gran parte de su comicidad (cuando no depende exclusivamente de recursos paródicos) depende del conocimiento extradiegético que el espectador tiene sobre las condiciones de realización.
Esto último, el hecho de que la comedia bizarra parece funcionar en esas estrictas condiciones de iniciación, en las que el público se reencuentra en la película, nos lleva a plantear algunas cuestiones interesantes, que aquí obviamente no podremos responder… pero que alcanzará por proponer.
En primer lugar: ¿qué nos provoca risa en estas producciones? ¿Nos reímos de lo inadecuada y mal hecha que está una película o nos reímos de las inadecuaciones que su contenido desarrolla? Es decir, ¿lo divertido de estas películas está dado por la ineficacia de las formas de actuación, de los efectos, de la estética, etc. o por la propuesta narrativa que se hace?
Por otra parte, esta dependencia excesiva del contexto de producción, y la necesidad de un público iniciado, constituye un auténtico problema comunicacional y expresivo. La producción artística profesional se diferencia fundamentalmente de la producción cotidiana no profesional por el necesario distanciamiento que se da entre el contexto de producción y los contextos de reconocimiento. De modo tal, a diferencia de lo que nos ocurre cuando garabateamos un par de palabras estando en carne viva, debido a un rechazo amoroso o a la pérdida de un ser querido; o cuando conmocionados y embriagados por un hermoso atardecer y algunas copas de alcohol, arpegiamos los acordes en una guitarra, la verdadera obra de arte supone un distanciamiento fundamental, es decir, debe conmover a ese otro (el recreador de la obra) aun cuando el atardecer ya no esté presente, en estado sobriedad, y aun cuando no se estuviera en carne viva.
La verdadera obra de arte reconstruye por medio de la técnica ese mismo universo emocional. Si una obra no puede hacer eso, queda supeditada a la contingencia del momento. Haciendo un poco de memoria, las comedias que me han resultado más eficaces, no siendo yo un participante en la producción, han sido aquellas que incluyen en su estructura del relato elementos de caricatura y parodia. Esto permite al espectador tener al menos algún punto de contacto respecto de lo cual evaluar las posibles inadecuaciones.
Una de las mayores dificultades que tiene un espectador poco acostumbrado a estas producciones es lo que podríamos denominar “la barrera del verosímil”, que suele darse sobre todo por los entrecruzamientos de campos genéricos (comedia, terror, comedia y ciencia ficción, etc.). El concepto del verosímil, a diferencia de la noción de verdad o evento sucedido efectivamente, etc., refiere a un relato cuya lógica resulta aceptable para el marco interpretativo del sujeto que consume el producto. Es decir, una historia para ser verosímil no tiene que ser cierta, sino aceptable para el que la escucha.
¿Cómo se logra esa aceptación? Esto va a depender de dos situaciones: si se trata de resultar convincente “como si esto hubiera ocurrido”, o si en cambio se trata de aceptar una lógica interna del relato que el propio mundo de la diégesis elabora. En el primer caso, es suficiente con que sean tenidos en cuenta elementos propios del contexto en que el espectador se haya y que ya acepta como ciertos; si quiero convencer a alguien de que otro sujeto es infiel o desleal, puedo decirle que se reúne o participa de eventos o situaciones junto a otras personas cuya infidelidad y deslealtad él ya conoce o está al tanto.
En el segundo en cambio ocurre algo ligeramente distinto: se trata de construir un mundo internamente coherente, donde cada elemento quede justificado por el anterior. Aquí no hay necesidad de que sea referido el relato a un suceso fuera de la narración, sino que basta con que se acepte la premisa fundamental y sus derivaciones.
Un espectador acostumbrado a la pureza genérica, donde algo es una
comedia, o es terror o es ciencia ficción, la combinación de estos campos genéricos puede resultarle excesivamente poco familiar y presentar resistencia en cuanto a aceptar la premisa. Tomando por ejemplo una de las producciones que se han exhibido en este festival, La gracia del muerto, vemos dos cosas aparentemente antitéticas: un escenario campestre, hombres y mujeres rudimentarias, tono campechano, etc. y luego nos enteramos de la presencia de un zombie. El zombie en el universo narrativo aparece casi exclusivamente vinculado a los espacios urbanos, y por lo tanto admitirle al relato esa presencia ilegítima puede ser un obstáculo en una primera impresión. Sin embargo, si el relato consigue darle naturalidad a esa situación, e insertar ese fenómeno en sus universo de sentidos (cosa que hace), el espectador puede o no aceptar la premisa y esperar luego que los eventos subsiguientes se vayan acomodando a esta aceptación inicial.
Hago mención de esto porque en general el rechazo de antemano de ciertas propuestas, bajo la excusa de inverosímiles, no considera la posibilidad de una coherencia interna más profunda, que no depende ya de los grados de referencialidad, sino de la construcción narrativa. Hablando de zombies, viene ahora a mi memoria un excelente film que pretende cruzar campos genéricos no habituales y que consigue la hazaña de hacerlo de un modo absolutamente coherente. Nos referimos a Mi novio es un zombie (Warm bodies), donde uno de los zombies (inadecuado para su propio grupo, pues se aferra a la memoria y a la historia en un mundo de sujetos sin voluntad y sin pasado) se enamora de una de sus posibles víctimas. El encuadre shakespeano del drama de Romeo y Julieta otorga en la estructura de fondo el marco suficiente para aceptar la propuesta como una jugada audaz, y no como un mero delirio.
Por supuesto, esto no nos lleva a la conclusión de que todo film es verosímil; si bien cada film construye de modo singular el verosímil, la construcción de una coherencia implica decisiones formales que no responden sólo a cuestiones particulares de cada film, sino de las formas narrativas generales. Muchas veces algunas producciones hacen un alarde de la ocurrencia menospreciando la coherencia interna a la que deberían regirse según sus propios planteos. La ocurrencia es el mero amontonamiento de situaciones no compatibles, cada una potencialmente ingeniosa pero que no permite construir un sistema en el cual el ingenio sea algo más que un accidente.
Algunas películas del BARS 2016
Através da sombra (Brasil)
Dirección: Walter Lima Jr.
Origen: Brasil
Género: Terror
Año: 2015
Laura es una joven maestra que trabaja en un convento y es convocada por un hombre adinerado para que se encargue de la educación de sus sobrinos, cuyos padres han fallecido trágicamente hace poco tiempo. Aunque la casa está demasiado alejada de la ciudad, Laura es tentada por el tío de los niños con la propuesta de que ella estará a cargo de todo el funcionamiento del hogar, donde trabajan una cocinera, sus ayudantes y algunos peones de la estancia. A los pocos días de llegar Laura comienza a tener visiones de fantasmas, que resultan ser un viejo peón y la antigua institutriz, ambos muertos hace no mucho en circunstancias misteriosas. Laura advierte que los espíritus comiezan gradualmente a adueñarse de los niños, sobre todo del varón, quien comieza a manifestar una obsesión amorosa por su institutriz.
https://www.youtube.com/watch?v=2YXgE59duGE
Si bien la película está basada en la novela de Henry James The Turn of the Screw, el tono opresivo de la narración y la presencia de la casa y los fantasmas que la recorren inevitablemente llevan a recordar films como Rebeca (Hitchcock; 1939) y El resplandor (Kubrick; 1980). Se trata de una excelente propuesta que recomendamos rastrear por la red para su visionado.
Walter Lima Jr. Realizador de obras de ficción y documentales; profesor de dirección cinematográfica en la Escola de Cinema Darcy RibeiroEscola de Cinema Darcy Ribeiro de la UCA (Brasil).Ha recibido diversos premios por sus producciones. Entre sus últimos trabajos se mencionan: Os desafinados (2008); Um Crime Nobre (2001); O Filho Predileto (2001).
Nilalang (The Entity)
Dirección: Pedring Lopez
Origen: Filipinas
Género: Terror
Año: 2015
Tony, un agente de la división de crímenes, se encuentra con una entidad malvada que insiste en matar y torturar a mujeres hermosas, una de las cuales fue su novia. Todo el entorno de Tony se encuentra en peligro frente a un antiguo espíritu japonés que acecha las vidas de sus seres queridos. Estará en sus manos salvarlos (sinopsis extraída del programa; p. 29).
El film es un compendio de lugares comunes en el marco de una trama por demás trillada y poco renovadora.
Pedring Lopez: Director. Entre sus producciones últimas se mencionan Binhi (2015) y 408 (2014).
Philip Marcus (Argentina)
Dirercción: Silvio Farah
Origen: Argentina.
Género: Comedia
Año: 2016.
Philip Marcus es un detective privado que vive en el límite de la marginación y la miseria. Atrapado en una viñeta de Hollywood de los años ‘40 emula el estilo duro del Marlowe de Humprew Bogart. La trama se desencadena a partir de un video en el que se escracha a un diputado recibiendo una coima. El hombre encargado de llevar el video al fiscal es asesinado por unos motochorros en complicidad con la policía, y el video desaparece misteriosamente. El video termina en un burdel en el que las muchachas que allí trabajan empiezan a ser asesinadas por un asesino enmascarado.
El film tiene el mérito de contar con escenas muy logradas en cuanto a ambientación, tono y situaciones actorales. Lo más flojo es el final, que amen de ser excesivamente extenso, pierde la consistencia y la coherencia que ha logrado en el resto del film; aquí el relato se torna más disperso, errático. Lo mejor del film, las escenas del burdel y los conflictos de cartel de las muchachas.
Silvio Farah: Realizador independiente. Entre sus producciones recientes se mencionan: Arca (2000), Encuentros solitarios (2005), El culto de las asesinas (2006), y Chikas Vampiras (2008).
La valija de Benavidez
Dir. Laura Casabe.
Origen: Argentina
Género: Thriller Psicológico
Intérpretes: Norma Aleandro; Jorge Marrale; Guillermo Pfening.
Año: 2016
Benavidez, hijo de un destacadísimo y prestigioso pintor ya fallecido, padece una crisis debido al rechazo que los críticos han mostrado respecto de su propia obra como artista plástico y termina recluido en una relación amorosa. Cuando su propia pareja es consagrada como pintora, adoptando su propio apellido por recomendación de los marchand, tiene un brote psicótico y se marcha buscando la ayuda de su psiquiatra, a quien le pide alojamiento en su instituto de salud mental que se especializa en tratamientos para artistas y creativos. El psiquiatra le propone pasar a un tratamiento VIP llamado La Residencia, en el cual aplican una propuesta experimental exclusiva. Acepta, no sin reticencia, para terminar descubriendo que La Residencia no es exactamente lo que dice ser.
El único punto flojo del film es que se pone demasiado énfasis en la trama fáctica del relato en desmedro de un desarrollo psicológico de los cuatro personajes centrales (Benavidez, el psiquiatra, la marchand y la pareja de Benavidez) que podría haber aportado un excelente contrapeso dramático a la línea policial de conjunto que se propone. Más allá de eso, el film es excelente.
Laura Casabé: Realizadora. Entre sus trabajos recientes se mencionan el largometraje El hada buena: una fábula peronista (2010) y el cortometraje La vuelta del malón (2011). La valija de Benavidez ha contado con el apoyo del INCAA.
La gracia del muerto (Argentina)
Dirección: Ernesto Aguilar
Origen: Argentina
Género: Comedia Bizarra
Año: 2016
Arnaldo es un pequeño productor de batatas, explotado por un avaro terrateniente. Pasa sus ratos de ocio ensayando la escritura de cuentos sobre apariciones, fantasmas y la luz mala. Un día se levanta por la mañana descubre que su vecino se ha convertido en un zombie y escogido su tierra para pasar las noches. Al encarar a la esposa de su vecino, ésta le confiesa que lo ha matado al enterarse de que la iba a dejar por otra mujer, pero luego ha intentado resucitarlo, dado que conoce algunos secretos de brujería, pero el marido resucita sin voluntad propia. Es así que Doña María y Arnaldo hacen un pacto de mutua conveniencia: Arnaldo dejará que el marido duerme en su terreno a cambio de que María comparta el dinero que obtiene ordenando a su marido que roba a la gente rica del pueblo. Con el paso del tiempo, Doña María y Arnaldo generan cierta intimidad y finalmente se concreta un idilio romántico, que motivará al esposo zombie a tomar cartas en el asunto.
La película, al margen de su extraña premisa, tiene la virtud de plantear en la primera parte del film un clima y unos personajes muy bien delineados, genuinos y convincentes. Quizás la trama no daba para un largometraje, y esto hace que se dilate demasiado o se reiteren excesivamente situaciones para justificar el metraje.
Ernesto Aguilar: Realizador argentino independiente. Su producción es numerosa y entre sus trabajos recientes se mencionan: La granja (2000), Trapo viejo (1999), Caminata espacial (1999), El planeta de los hippies (1996); Western Coffe (1998). Ha recibido premios y distinciones en festivales de cine como Festival de Cine Inusual y BARS.
Endohell (Argentina)
Dirección: Germán Favier
Origen: Argentina
Género: Terror.
Amanda vive en un estado de ensoñación y paranoia en su casa, lo cual le impide tener una vida normal. La atormenta un sueño recurrente y espantoso. En un brote psicótico asesina a un grupo de personas que han venido a ayudarla, pero luego empieza a preguntarse si verdaderamente las ha matado o es una ensoñación más.
La propuesta es contundente y clara. No abunda ni exagera en recursos expresivos, es sobria en el relato y diseña un ambiente de opresión y equívocos de un modo sumamente eficaz.
Germán Favier: Entre sus trabajos recientes se menciona Sangredus (2015).
Vulcania (España)
Dirección: José Skaf.
Origen: España.
Intérprete: Miquel Fernández, Aura Garrido, José Sacristán
El film plantea una distopía que plantea una metáfora sobre el uso del poder y la lucha de clases. Jonás y Marta son dos obreros del pueblo que han perdido a sus parejas en un misterioso accidente en las minas del lugar. Jonas sospecha que no ha sido un accidente y trata de descubrir la verdad.
Correcta propuesta, quizás demasiado maniqueista y lineal en el planteamiento de los confclitos entre los jerarcas y los obreros, pero bien planteado el ambiente.
https://www.youtube.com/watch?v=08zOaLQHoJ0
José Skaf: Realizador argentino. Vulcania es su primer largometraje. Entre sus trabajos recientes se mencionan programas para TV John Waters: TCM Especial (2012), Gonzalez Suárez: Sam Peckinpah, director salvaje (2011).
