Les damos la bienvenida, queridos lectores de CineFreaks, a la cobertura de la 27ª edición del BAFICI. En un contexto de profunda incertidumbre para nuestra industria, donde el INCAA atraviesa un estado de indefensión crítica debido a las decisiones políticas que son de dominio público, la apertura de este festival se transforma en un acto de resistencia y celebración necesaria. Lejos de retraerse, el certamen reafirma su compromiso con nuestra identidad visual al otorgar un espacio fundamental al Cine Argentino, presentando una contundente selección de 147 películas nacionales, en su gran mayoría estrenos absolutos. Como es tradición, la programación se enriquecerá con focos y retrospectivas diseñados para iluminar el festival desde ángulos alternativos, permitiéndonos descubrir autores singulares y recuperar imágenes del pasado que dialogan con el presente. Los invitamos a sumergirse en estas dos semanas de cine independiente, donde la pantalla se convierte en el refugio ideal para reflexionar y defender nuestra cultura cinematográfica.
Reseñas por Maximiliano Curcio
OBSOLETOS (SOBRE RUINAS Y VESTIGIOS) / Trayectorias
Dir. Cristian Pauls | Argentina | 2024 | 62 min.
El siempre interesante Cristian Pauls (Por la vuelta -2002-) se confirma como un observador atento, un explorador innato de territorios donde la imagen parece siempre estar en estado de búsqueda. Inspirada en los cuadernos de trabajo de Alberto Zúñiga (1943-2012), la película propone una experiencia donde la palabra poética se funde con el paisaje, en un entorno rural casi fantasmal que se organiza como una constelación de recuerdos recurrentes. Obsoletos (Sobre ruinas y vestigios) transita el antes y el después de fachadas gastadas por el paso del tiempo, mientras se abre a interrogantes esenciales —¿cuál es el origen de los tiempos?, ¿a qué suelo pertenece nuestra piel?— que expanden su dimensión filosófica. Entre cielos y vegetación que despiertan la curiosidad, emerge un relato de contrastes simbólicos guiado por la palabra poética, y donde la nostalgia convoca ecos de otro cine, guiño mediante a Los paraguas de Cherburgo (1964). Con contundencia, propone un intercambio constante entre pasado y presente; entre la naturaleza y la intervención humana, hasta incluso coquetear con la idea de recuperar aquella esquiva y lejana felicidad. Puntaje: 7 (siete).
CYRANO EN MI CABEZA / Artes y Oficios
Dir. Maxi Gutiérrez | Argentina | 2024 | 74 min.
Cyrano en mi cabeza, dirigida por Maxi Gutiérrez, se inscribe en la larga tradición de relecturas del personaje creado por Edmond Rostand (1868-1918), cuya célebre obra estrenada en París en 1897 se inspira libremente en la figura de Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655), soldado, filósofo y escritor francés del siglo XVII. La pieza funciona como ejercicio de exploración sobre la exitosa versión de 2024, dirigida por Willy Landin y exhibida en el marco de la temporada oficial del Complejo Teatral de Buenos Aires, reactivando su vigencia en la escena local. Quien lleva la voz de todo el metraje es el más reciente intérprete del mítico personaje: Gabriel Goity, tempranamente deslumbrado por la magnífica labor de Ernesto Bianco, en la histórica puesta de 1977.
El documental introduce, además, la persistente vida teatral de Buenos Aires, ciudad convertida en un inmenso backstage donde conviven propuestas escénicas de lo más disímiles, y donde el oficio del actor se presenta como una vida paralela, extraña y siempre en tensión con la necesidad de no pasar desapercibido. A partir de allí, el film desemboca en una reflexión íntima y emotiva sobre el trabajo actoral a partir de tres ejes principales: la búsqueda de materiales para construir un personaje fuera de lo común, el teatro como espacio de validación y el intérprete mismo como transmisor de una imagen representativa. Entre desafíos, inseguridades y la obsesión por la verdad escénica, emerge la idea de una puesta ambiciosa en cinco actos que expone, en un doblez, el más osado movimiento del actor, capaz de triunfar y fracasar; primero, en su propia mente.
El recorrido audiovisual trazado culmina en el cierre de gira – función doscientos treinta y ocho- en Parque Centenario. Un conmovido Goity parece haber encontrado —o al menos rozado— aquel papel que justifica una vida entera dedicada al arte de actuar; ese que responde la pregunta esencial de por qué aún tiene sentido subirse a un escenario. Puntaje: 7 (siete).
XUL / Artes y oficios
Dir. Cristian Constantini | Argentina | 2024 | 72 min.
Cristian Constantini propone un acercamiento al vértigo infinito del genio de Xul Solar, intentando discernir la complejidad de una figura que desborda cualquier intento de clasificación. La admiración que le profesara su amigo Jorge Luis Borges funciona como clave de lectura para ingresar a un universo sostenido por un profuso material de archivo, donde la cámara recorre los interiores de la Fundación erigida en calle Laprida, como si transitara un laboratorio de percepciones. Entre astrologías y búsquedas espirituales que configuran la obra de este irrepetible artista, el documental se detiene en su revelador viaje a Europa entre las décadas de 1910 y 1920, momento en el que lleva consigo un universo ‘matematizable’ convertido en arte, espíritu y filosofía. Habitante de su propio sistema panlingüístico, Xul emerge como una figura que habita un lenguaje ajeno incluso a las vanguardias, mientras el film revela la multiplicidad de una personalidad inquieta y erudita. En tan subyugante recorrido, la obra alimenta la inquietud y el misterio que el genio nativo de San Fernando utilizara como combustible creativo, en la tarea de pintar con luz propia lo real que pertenece a otro mundo. Puntaje: 8 (ocho).
LO NOY / Artes y Oficios
Dir. Mario Varela | Argentina | 2024 | 76 min.
Lo Noy, documental testimonial dirigido por Mario Varela, se adentra en la vida del poeta, performer y artista Fernando Noy, figura fundamental de la cultura underground local, en un recorrido en primera persona que despliega sus ‘mil vidas’ y el vínculo con figuras esenciales de nuestra cultura como Alejandra Pizarnik, Alejandro Urdapilleta y Batato Barea. El film cuenta con producción ejecutiva de Alejandra Perdomo y se inscribe en un momento especialmente activo de Noy, quien actualmente presenta su obra reunida y también estrena obra de teatro: acaba de editar el libro “Poesía reunida, 1985–2026” y protagoniza, durante los domingos de abril, “Andén alucinado”, en Galpón de Guevara. A través de una estructura que mezcla memoria y deriva, la película recupera la nobleza y la sensibilidad que habita la mirada del artista, al tiempo que reconstruye un itinerario hecho de múltiples reencarnaciones, anécdotas alocadas y estados de conciencia expandida, donde el artista se asume como protagonista del momento más candente de la bohemia porteña. En clave hippie y lisérgica, autodefinido como ‘travesti del ego”, Noy se nombra a sí mismo en femenino y abraza su identidad. A gusto en su singular universo de constante reinvención, florece en la admiración y el cariño que el ambiente artístico le profesa. Puntaje: 6 (seis).
LU Y PAU / Noches Especiales
Dir. Nicanor Loreti | Argentina | 2024 | 82 min.
Lu y Pau, de Nicanor Loreti, se inscribe como un relato policial de corte marginal donde los códigos del cine de autor conviven con la lógica implacable de los negocios sucios, convertidos aquí en norma más que en excepción. El dinero de dudosa procedencia no solo circula, sino que estructura un universo donde los problemas se resuelven con la misma velocidad con la que se acumulan los excesos y las adicciones de toda índole. Entre asaltos, enredos, transas y planes que inevitablemente salen mal, la película encuentra su pulso narrativo en la tensión constante de la caída. Con producción de Doménica Films y el apoyo del INCAA y el IAAviM, está protagonizada por dos antológicas Jazmín Stuart y Lorena Vega, cuya evidente química en pantalla sostiene la intensidad del relato. Loreti, cineasta atento al sentido de la acción y del montaje cinematográfico, se muestra capaz de construir atmósferas densas y potenciar la expresividad gestual de su dupla interpretativa, haciendo de ambas el centro magnético de una historia atravesada por la sangre y destinos esquivos. En manos del realizador de Punto Rojo y 27 El Club de los Malditos, la adrenalina y la abnegación se confunden en una hermandad ambigua, donde la lealtad y la violencia avanzan siempre por el camino incorrecto. Puntaje: 7 (siete).
LOS DIARIOS DE OZU / Cine sobre cine
Dir. Daniel Raim | EE.UU. | 2023 | 46 min.
El film dirigido por Daniel Raim y enteramente dedicado a Yasujirō Ozu (1903–1963) reconstruye la figura de uno de los cineastas más influyentes de la historia del cine japonés, célebre por su estilo inconfundible de planos fijos a baja altura y por su profunda exploración de la vida familiar, la soledad y las transformaciones sociales de su país natal. A través de un relato cronológico que recorre desde su infancia hasta sus últimos días, la película propone un acercamiento íntimo sustentado en sus diarios personales, donde Ozu -tempranamente seducido por las bondades del séptimo arte- aparece en primera persona como un observador que llegó a dominar el silencio, construyendo un lenguaje propio que redefine la noción de puesta en escena.
Un inesperado incidente gastronómico aparece como punto de inflexión que termina de configurar al Ozu que el cine universal reconoce hoy, mientras que su trayectoria, que incluye una tardía llegada al cine sonoro en 1936, se encuentra tristemente marcada por una bisagra en su evolución artística: las secuelas de la posguerra redefinen por siempre su mirada. Ferviente consumidor de cine occidental y estudioso del lenguaje audiovisual, el nipón se nos presenta como un gestor singular de la acción y el humor. El documental se enriquece, además, con testimonios de figuras como Luc Dardenne, Wim Wenders, Kogo Noda y Kiyoshi Kurosawa, quienes amplían la lectura de su legado. Puntaje: 8 (ocho).
PRINCIPE OSCURO / Música
Dir. Camilo De Cabo y Nicanor Loreti | Argentina | 2024 | 80 min.
“Príncipe Oscuro”, dirigido por Camilo De Cabo y Nicanor Loreti, propone un retrato documental de uno de los músicos más originales y singulares de la escena argentina, reconstruyendo la historia de un artista que, a lo largo de décadas de trayectoria, ha tensionado las fronteras del rock desde una búsqueda estética incesante. Carca (nacido Carlos Hernán Carcacha), músico, compositor y multi instrumentista, se consolida desde los años ‘90 como referente de la escena alternativa, atravesado por una fusión de influencias que van desde la electrónica al blues. El documental asume el desafío de traducir dicha singularidad en lenguaje cinematográfico, apelando a testimonios de colegas que delinean su huella creativa y ayudan a responder qué palabras pueden sintetizar un legado atravesado, principalmente, por el misterio y la psicodelia.
Figura magnética, disruptiva y difícil de encasillar, Carca aparece como un artista enfundado en la noche, influenciado por Bowie y T. Rex, y definido por una ternura dark que convive con su osadía y su condición de incesante buscador de formas. Con aportes de figuras como Daniel Melero, Julieta Venegas, Edelmiro Molinari y Diego Tuñón, el film reconstruye un recorrido donde el éxito no siempre se traduce en fama o masividad, sino en una persistencia estética que atraviesa distintas etapas de evolución. Su vínculo creativo con Babasónicos, su capacidad de asumir riesgos artísticos y una dura experiencia al borde de la muerte funcionan como puntos de inflexión hasta desembocar en la gestación de su nuevo disco “Exultante” (2025), consolidando el retrato de un músico que hizo de la singularidad su forma de permanencia. Puntaje: 7 (siete).
ELOY DE LA IGLESIA: ADICTO AL CINE / Cine dentro del cine
Dir. Gaizka Urresti | España | 2023 | 100 min.
Eloy de la Iglesia: Adicto al cine, dirigido por Gaizka Urresti, reconstruye la figura del cineasta español Eloy de la Iglesia (1944–2006), director y guionista considerado un auténtico maldito por su estilo libre, polémico y combativo. Figura clave de la Transición, su obra se instaló en la cara B de la sociedad española, con especial énfasis en el ‘cine quinqui’ de los años ’80, reflejo de la renovación posfranquista, donde películas como Navajeros y El Pico retrataron la marginalidad social, el consumo de drogas y la sexualidad desde una crudeza inédita. Fue, además, el máximo exponente que diera voz a delincuentes juveniles atravesados por la exclusión y la estigmatización. Militante del Partido Comunista y abiertamente homosexual, su cine desafió la censura y exploró tabúes en obras como El diputado y Los placeres ocultos, consolidando una filmografía que osciló entre la denuncia social y la provocación. Tras títulos como La estanquera de Vallecas, su carrera atravesó un largo periodo de inactividad marcado por adicciones, hasta su regreso en 2002 con Los novios búlgaros, poco antes de su muerte en Madrid, a los 62 años de edad.
El documental articula este recorrido con testimonios de artistas que le frecuentaron, y recupera a un cineasta cuya obra, a menudo incomprendida en su época, se caracterizó por un fuerte impulso de denuncia social, el retrato de la corrupción y un afán por exponer la realidad sin tapujos, lo que le valió tanto éxito de público como controversia. En dicho marco, el film subraya un cine que no fue de consumo masivo, pero sí profundamente incisivo, nacido en un contexto de fuerte hipocresía social que hizo posible —y a la vez combatió— su existencia. Urresti lo presenta como un autor que captaba la atención y desbordaba los límites de la censura, difuminando las fronteras entre realidad y ficción a través de pulsiones que delinean una obra singular, explícita y sin subrayados morales. Así, se lo revisita como un experto en escandalizar y un retratista social marginal; un ‘Fassbinder español’ que orbitó siempre en torno a relaciones de poder y deseo, donde lo antes sugerido por la represión se vuelve finalmente visible, directo y perturbador, consolidando un cine de personajes y acción que incluso hoy conecta con nuevas generaciones. Puntaje: 8 (ocho).
NO MATAR / Premiere mundial
Dir. Juan Villegas | Argentina | 2024 | 225 min.
En la Argentina de los años ‘70, la violencia política y social alcanzó niveles extremos en un contexto de polarización creciente y una democracia tambaleante. Organizaciones armadas como el ERP y Montoneros se enfrentaron al Estado y a sectores paraestatales, mientras las Fuerzas Armadas consolidaban una lógica represiva que derivó en un sistema de violencia sistemática. En ese escenario, atravesado por la idea de ‘matar en nombre de la patria’, se desplegó una lucha entre proyectos revolucionarios, vertientes del peronismo y el aparato estatal.
A modo de ensayo de memoria crítica, No Matar propone revisar ese pasado sin simplificaciones, interrogando responsabilidades, ideales y consecuencias. El ejercicio de recuerdo se vuelve una herramienta indispensable para elaborar el trauma colectivo, evitar repeticiones y fortalecer una conciencia crítica en la sociedad. En manos de Juan Villegas -emparentado con la tradición del cine nacional independiente-, la llamativa elección del título -el imperativo mandamiento de ‘no matar’- reaparece como un límite moral a ser interpelado. En este sentido, el cine emerge como un canal privilegiado: combina emoción y relato para interpelar tanto desde lo racional como desde lo sensible.
A lo largo de sus doscientos veinticinco minutos, la obra logra transmitir con claridad y solidez su propuesta a partir de estos testimonios, aunque desde el punto de vista formal presenta una puesta en escena y una elección de recursos deliberadamente sobria. Aquí, esa elección formal no debilita el impacto, sino que lo desplaza hacia la palabra, la memoria y el peso irreductible de lo vivido. La elección de un documentar testimonios, mediante entrevistas a voces protagonistas, refuerza la potencia de otorgar autenticidad y cercanía al material. Puntaje: 6 (seis).
EMI / Premiere argentina
Dir. Ezequiel Erriquez Mena | Argentina / Uruguay | 2024 | 93 min.
La historia transcurre en el conurbano bonaerense, donde la vida cotidiana se vuelve escenario de una exploración íntima sobre la universalidad de los vínculos y la institución familiar. Emi, un adolescente en pleno proceso de aprendizaje, atraviesa el delicado camino de afianzar su identidad, entendiendo que no hay nada extraño en cambiar mientras crece. Hijo adoptado en busca de una verdad significativa, se enfrenta a las preguntas inevitables sobre su origen y a la necesidad de reconstruir su pasado como parte de su tránsito hacia la adultez. En ese recorrido, las decisiones propias comienzan a pesar más que las opiniones ajenas, porque es en la propia piel donde finalmente todo cobra sentido. Guiado por un corazón que funciona como brújula y motor, este joven de clase trabajadora avanza entre dudas, certezas y descubrimientos. Con el protagónico de Benicio Mutti Spinetta y la participación estelar de Luis Ziembrowski, Mara Bestelli, Alejandro Scaravelli y Miriam Odorico, esta coproducción entre Argentina y Uruguay, dirigida por Ezequiel Erriquez Mena, propone una mirada sensible y genuina sobre crecer, pertenecer y elegir quién se es. En su resolución, ofrece una secuencia dramática emocionalmente apabullante, interpretada de forma brillante. Puntaje: 7 (siete).
EL ÚLTIMO VIAJE A CHINA / World Premiere
Dir. Alejandro Maci | Argentina | 2024 | 80 min.
El documental El último viaje a China, de Alejandro Maci —también responsable de films como El impostor y Los que aman odian— se erige como un encuentro íntimo y afectuoso que rememora la inolvidable figura de China Zorrilla, artista montevideana que, tras exiliarse durante el golpe de Estado en Uruguay, se radicó en Buenos Aires en 1971, donde desarrolló gran parte de una carrera que la convertiría en una presencia entrañable y profundamente reconocida por el público argentino. Formada en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres, conjugó con naturalidad distinción y simpleza, alcanzando una versatilidad insuperable tanto en la comedia como en la tragedia —dos caras de igual peso y espesor—, volviéndose una cara visible de nuestro teatro, cine y TV.
A través del material de archivo y la cálida conversación que entablan Soledad Silveyra y Carlos Perciavalle, el film reconstruye anécdotas atravesadas por un denominador común: China como personaje inolvidable y adorable; colega, maestra y amiga, moderna y empoderada. Entre paisajes alejados del ruido citadino y objetos escultóricos que funcionan como testigos silenciosos del paso del tiempo, la narración parece volver una y otra vez sobre un mismo drama -una misma escena- que se representa a lo largo de toda una vida, configurando así no solo un emotivo retrato sino el gran homenaje que una de las artistas rioplatenses más destacadas de nuestro tiempo merecía, protagonista de títulos antológicos de nuestro cine como Esperando la carroza, Besos en la frente, Conversaciones con mamá y Elsa y Fred. Puntaje: 9 (nueve).
